Principalement active de 1630 à 1640, Louise Moillon exécute de nombreuses natures mortes équilibrées et harmonieuses. Coupe de cerises, prunes et melon est aujourd’hui le tableau le plus connu de l’artiste et figure dans les collections du musée du Louvre. Focus sur un chef-d’œuvre de la nature morte.
Les peintres de natures mortes à Paris au début du XVIIe siècle
Peu répandues au XVIe siècle, c’est au XVIIe siècle que se multiplient les natures mortes, tout d’abord dans les pays du nord de l’Europe, puis dans l’ouest du continent. À Paris, les peintres de nature morte se concentrent autour du pont Notre-Dame et du quartier de Saint-Germains-des-Prés. Originaires de toutes nationalités, ils répondent aux commandes d’un public principalement issu de la noblesse et de la bourgeoisie qui s’intéresse aux compositions recherchées et aux atmosphères silencieuses. Avant tout, les artistes souhaitent représenter des objets communs ou luxueux le plus fidèlement possible, le tout disposé avec une grande clarté sur la toile. Il n’y a, de fait, rien de plus vivant qu’une nature morte.
C’est dans ce microcosme qu’évolue Louise Moillon. Elle apprend la peinture avec son beau-père, François Garnier, peintre et marchand de tableaux. Marquée par l’art nordique, elle en reprend les codes dans ses œuvres qui se veulent sobres, réalistes et équilibrées. Elle exécute de nombreux tableaux entre 1630 et 1640, et semble arrêter de peindre après son mariage avec Etienne Girardot de Chancourt, un riche marchand exerçant à Paris. En outre, après 1640, année de ses noces, nous ne conservons plus aucune œuvre datée et signée de sa main.
Un chef-d’œuvre d’équilibre et d’harmonie
Vers 1633, Louise Moillon conçoit la nature morte qui est aujourd’hui considérée comme son chef-d’œuvre : Coupe de cerises, prunes et melon. Peints à l’huile sur bois, des fruits sont disposés sur une table, face à un mur aux tonalités sombres. Notre regard est tout d’abord attiré par la couleur rouge et puissante des cerises, qui reposent dans un compotier de porcelaine. L’artiste s’attache à accorder chaque couleur, ainsi, notre regard passe ensuite sur les prunes aux tonalités mauves, puis sur le melon bien mûr sans heurt. Louise Moillon sait marier les couleurs avec beaucoup d’harmonie. Outre la justesse de la palette, Louise Moillon excelle dans la représentation réaliste de ses fruits. Ce réalisme est dû à une étude minutieuse des matières ainsi qu’aux jeux d’ombres et de lumière entreprise par l’artiste.
La disposition des fruits est considérée comme archaïque. Louise Moillon déploie plusieurs espèces de fruits différents sur une table avec une vue plongeante, comme le font les artistes du nord de l’Europe depuis plusieurs décennies déjà. À ce type de composition bien connue, Louise Moillon ajoute une touche personnelle dans l’atmosphère apaisée et le calme qui se dégage de son œuvre. Ces choix esthétiques peuvent s’expliquer par la confession protestante de l’artiste. Dans la monographie consacrée à Louise Moillon, Dominique Alsina insiste sur la rigueur protestante dans laquelle elle vit et qui rejaillit dans ses tableaux.
Une production variée
De nombreuses peintures de Louise Moillon déploient cette sérénité singulière. L’artiste décline le motif des fruits, notamment les cerises, les prunes, les fraises ou encore les abricots. Chacune de ses tables servies présente ces mets avec une harmonie semblable à celle de sa Coupe de cerises, prunes et melon. Sa Nature morte aux mûres avec des abricots, peint en 1641 et conservé au musée des Augustins de Toulouse, détient notamment cette puissance chromatique additionnée à l’équilibre de la composition.
Certaines de ses œuvres se veulent plus ambitieuses, à l’instar de La Marchande de fruits et de légumes, peint en 1630 et conservé au musée du Louvre, où elle peint deux figures humaines. Ainsi, Louise Moillon inclut ses fruits dans la vie quotidienne et ouvre sa peinture à la scène de genre. À nouveau, pour cette œuvre, l’artiste puise son inspiration dans la peinture hollandaise du XVIe siècle où les tableaux de marchés connaissent une large popularité. Toutefois, notons que Louise Moillon ne peint pas ses figures avec autant d’aisance que ses fruits. Les deux femmes sont dépeintes maladroitement, avec une rigidité qui les distingue des fruits près d’elles.
La réception au XXIe siècle
L’œuvre est aujourd’hui exposée dans l’aile Richelieu du musée du Louvre, avec les peintures françaises du XVIIe siècle. Elle est également apparue dans l’une des grandes expositions temporaires de l’institution parisienne : Les Choses, une histoire de la nature morte, conçue par Laurence Bertrand Dorléac. L’huile sur bois y figurait aux côtés de chefs-d’œuvre de Lubin Baugin, de Juan Sánchez Cotán, ou encore de Clara Peeters. La peinture de Louise Moillon s’inclut parfaitement dans le propos de l’exposition, qui présente un très large panorama d’œuvres représentant des choses, ces éléments immortalisés par les artistes. Louise Moillon détient elle aussi ce don de rendre les choses vivantes, et de souligner leur charme, leur symbole et leur authenticité.
Bibliographie.
Site internet du musée du Louvre : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010066853
Site internet du musée du Louvre : https://collections.louvre.fr/ark:/53355/cl010066267
Dominique Alsina. Louyse Moillon, vers 1610-1696 : la nature morte au Grand Siècle, catalogue raisonné. Editions Faton, 2009.
Alain Mérot. La peinture française au XVIIe siècle. Editions Gallimard, 1994.
Eric Coatalem et Florence Thiéblot. La nature morte française au XVIIe siècle : 17th century still-life painting in France. Éditions Faton, 2014.
Laurence Bertrand Dorléac et Laurence Des Cars. Les choses : une histoire de la nature morte. Louvre éditions, 2022.
Nicolas Milovanovic. Catalogue des peintures françaises du XVIIe siècle du Musée du Louvre. Editions Gallimard et Louvre éditions, 2021.
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